Être moderne. Le MoMA à Paris: l’invention de l’artiste

Ne serait-ce que pour admirer l’étonnant face-à-face entre Le Baigneur de Cézanne et Le Meneur de cheval de Picasso, se rendre à la Fondation Vuitton est heureux. Mais le parcours de l’exposition Être moderne. Le MoMA à Paris réserve bien d’autres beautés. Vous y découvrirez au fil d’une succession chronologique s’étirant de 1885 à nos jours, selon une scénographie rigoureuse, un étonnant tableau de Paul Signac (Opus 217, photo), un triptyque de Max Beckmann (Le Départ), un petit pastel de Gerhard Richter réalisé après le 11-Septembre, un collage de Mark Bradford ou une immense scène de night-club peinte par l’artiste afro-américain Kerry James Marshall… En exposant les trésors du musée new-yorkais, actuellement en rénovation, la Fondation Vuitton retrace l’histoire extraordinaire d’une collection partie de rien en 1929, en même temps que la trajectoire de l’art depuis lors. Car le musée ne fait pas que préserver l’art moderne et contemporain, il le rend possible. Créé juste après la grande crise par une poignée de mécènes fortunés (Abby Aldrich Rockefeller et deux de ses amies), le Museum of Modern Arts (MoMa) prend rapidement de l’importance, jusqu’à bénéficier d’un bâtiment spécifique dès 1939. Émerge ainsi progressivement, pour citer Bourdieu, « l’ensemble des mécanismes sociaux qui rendent possible le personnage de l’artiste comme producteur de ce fétiche qu’est l’œuvre d’art ; c’est-à-dire la constitution du champ artistique ». Or en quoi consiste-t-il, ce champ artistique ? En un ensemble d’institutions qui sont « la condition du fonctionnement de l’économie des biens culturels », écrit le sociologue dans Les Règles de l’art (1992). Par exemple : les salons (des instances de consécration) et les écoles d’art (des instances de reproduction), les collectionneurs ou les critiques, mais aussi bien sûr, les lieux d’exposition, à l’instar du MoMA ou de la Fondation Vuitton. Sans ce milieu socioéconomique, « l’idéologie professionnelle du “créateur” incréé qui s’est élaborée tout au long du XIX^e siècle », le « personnage de l’artiste (opposé à l’artisan) », n’auraient tout simplement jamais vu le jour. Grâce à lui, la roue de bicyclette de Duchamp, la guitare électrique Stratocaster conçue par Leo Fender ou les emojis inventés par Shigetaka Kurita peuvent entrer au musée, avoir du sens et acquérir la valeur d’œuvre d’art. Dans son étude, Bourdieu invitait à mener une analyse historique du champ artistique pour pouvoir « s’affranchir complètement de la vision “essentialiste” » sur l’art. Et si c’était cela, être moderne ?